Nhà soạn nhạc

Từ nguyên và định nghĩa

Thuật ngữ này bắt nguồn từ tiếng Latinh compōnō, có nghĩa đen là "người kết hợp các yếu tố lại với nhau". Oxford English Dictionary ghi nhận rằng thuật ngữ này lần đầu tiên xuất hiện trong bối cảnh âm nhạc trong tác phẩm A Plain and Easy Introduction to Practical Music (1597) của Thomas Morley. Trong đó, ông viết: "Some wil [sic] be good descanters [...] and yet wil be but bad composers" (Tạm dịch: "Có người có thể là nghệ sĩ hòa thanh giỏi [...] nhưng lại là những nhà soạn nhạc tồi").

"Nhà soạn nhạc" là một thuật ngữ rộng, chỉ bất kỳ ai sáng tác âm nhạc. Cụ thể hơn, nó thường dùng để nói về những người làm nghề sáng tác hoặc những người sáng tác theo truyền thống nhạc cổ điển phương Tây. Những người chuyên viết bài hát cũng có thể được gọi là nhà soạn nhạc, nhưng từ thế kỷ 20, thuật ngữ "nhạc sĩ" (songwriter) hoặc "ca-nhạc sĩ" (singer-songwriter) trở nên phổ biến hơn, đặc biệt trong các thể loại nhạc đại chúng.

Các nhà soạn nhạc ở những nền văn hóa và truyền thống khác nhau có thể sáng tác và truyền tải âm nhạc theo nhiều cách. Trong nhiều dòng nhạc đại chúng, họ viết nhạc và truyền lại qua truyền thống truyền miệng. Ngược lại, trong một số truyền thống nhạc cổ điển phương Tây, nhạc sĩ có thể sáng tác trong tâm trí trước khi ghi chép lại và lưu truyền qua các tài liệu viết.

Vai trò trong thế giới phương Tây

Mối quan hệ với người biểu diễn

Trong quá trình phát triển của âm nhạc cổ điển châu Âu, việc sáng tác ban đầu không quan trọng hơn so với biểu diễn. Nhạc sĩ không quá chú trọng đến việc lưu giữ các tác phẩm và thường chỉnh sửa nhạc để phù hợp với từng buổi trình diễn.

Trước thời kỳ Lãng mạn vào thế kỷ 19, việc sáng tác ở phương Tây hầu như luôn gắn liền với hát, giảng dạy hoặc nghiên cứu lý luận âm nhạc.

Ngay cả trong các bản nhạc cụ phương Tây truyền thống, nơi giai điệu, hợp âm và dòng trầm đều được ký âm rõ ràng, người biểu diễn vẫn có không gian sáng tạo để thể hiện tác phẩm theo phong cách riêng. Họ có thể thay đổi cách nhấn nhá, điều chỉnh câu nhạc, kéo dài các nốt nhấn (fermata) hoặc tạo khoảng dừng. Với đàn dây, kèn gỗ hoặc kèn đồng, nghệ sĩ có thể sử dụng các hiệu ứng diễn cảm như rung (vibrato) hay luyến láy (portamento). Khi biểu diễn một tác phẩm đã được sáng tác và ký âm từ trước, ca sĩ hoặc nhạc công phải quyết định cách diễn giải phù hợp. Những cách diễn giải khác nhau có thể tạo nên sự khác biệt đáng kể, từ tốc độ trình diễn đến phong cách thể hiện giai điệu. Ngay cả các nhà soạn nhạc khi trình bày tác phẩm của chính mình cũng đang diễn giải theo cách riêng, không khác gì những người biểu diễn nhạc của người khác. "Phong cách trình diễn" mô tả quy tắc và kỹ thuật được sử dụng trong một thời điểm và địa điểm cụ thể, trong khi "diễn giải" phản ánh những lựa chọn cá nhân của nghệ sĩ.

Một tác phẩm âm nhạc có thể do một hoặc nhiều người cùng sáng tác. Trong các ban nhạc hay nhóm sáng tác nhạc kịch, quá trình sáng tác thường là sự hợp tác giữa nhiều cá nhân. Một nhạc sĩ có thể viết giai điệu, người khác đảm nhận phần hòa âm và nhạc đệm, trong khi một người khác sáng tác phần lời.

Nhạc sĩ cũng có thể sáng tác dựa trên lời nói, hình ảnh hoặc công nghệ hiện đại, chẳng hạn như phần mềm máy tính hướng dẫn cách tạo ra âm thanh. Ví dụ, những chiếc chuông gió tạo ra âm nhạc khi gió thổi, các tác phẩm tiên phong thế kỷ 20 sử dụng ký hiệu đồ họa để chỉ dẫn biểu diễn, hay các phần mềm máy tính chọn âm thanh cho một tác phẩm. Một số nhà soạn nhạc như John Cage, Morton Feldman và Witold Lutosławski đã khai thác âm nhạc ngẫu nhiên (aleatoric music), một phong cách trong đó yếu tố bất định đóng vai trò quan trọng trong việc hình thành tác phẩm.

Cách nhạc sĩ biến tấu tác phẩm phụ thuộc vào nền văn hóa và thời đại mà họ sáng tác. Nhạc sĩ thời Baroque, đặc biệt trong những tác phẩm có nhịp độ chậm, thường chỉ viết khung giai điệu cơ bản và mong đợi người biểu diễn thêm thắt các nét trang trí khi trình diễn. Trong những thời kỳ sau, các nhà soạn nhạc dần ghi chép chi tiết hơn về sắc thái và cách nhấn nhá để kiểm soát cách diễn giải tác phẩm. Xu hướng này tạo ra một nền văn hóa đề cao tính trung thành với ý đồ của nhà soạn nhạc. Các ấn bản Urtext phản ánh mong muốn giữ nguyên vẹn tinh thần gốc của tác phẩm, đồng thời thể hiện sự tôn kính của nghệ sĩ dành cho các nhà soạn nhạc vĩ đại.

Phong trào trình diễn theo phong cách lịch sử (historically informed performance movement) đã góp phần khôi phục lại sự sáng tạo của nghệ sĩ trong cách thể hiện bản nhạc gốc, đặc biệt với các tác phẩm Baroque và nhạc cổ điển thời kỳ đầu. Phong trào này hướng đến việc tái hiện tinh thần nguyên bản của tác phẩm bằng cách cho phép nghệ sĩ ứng biến, giống như cách các nhạc sĩ thời đó mong muốn. Trong các thể loại nhạc ngoài cổ điển, người biểu diễn thường có nhiều tự do hơn. Chẳng hạn, khi một ca sĩ nhạc đại chúng trình bày lại (cover) một bài hát, họ không nhất thiết phải bám sát bản gốc mà có thể sáng tạo theo phong cách riêng.

Trong âm nhạc nghệ thuật phương Tây, nhà soạn nhạc thường tự phối khí cho tác phẩm của mình. Ngược lại, trong nhạc kịch và nhạc pop, họ có thể thuê một nhạc sĩ hòa âm để đảm nhận phần phối khí. Một số nhạc sĩ pop không sử dụng ký âm mà chỉ sáng tác trong đầu, sau đó chơi hoặc ghi âm lại. Trong nhạc jazz và nhạc đại chúng, những bản thu âm quan trọng của các nghệ sĩ có ảnh hưởng đóng vai trò tương đương với các bản ký âm trong nhạc cổ điển. Việc nghiên cứu sáng tác truyền thống chủ yếu tập trung vào phương pháp của âm nhạc cổ điển phương Tây, nhưng khái niệm sáng tác cũng bao gồm cả nhạc đại chúng, nhạc truyền thống và những tác phẩm ngẫu hứng như nhạc jazz tự do hay nhạc trống của các nghệ sĩ châu Phi như những tay trống Ewe.

Lịch sử việc làm

Trong thời Trung Cổ, các nhà soạn nhạc chủ yếu làm việc cho Giáo hội Công giáo và sáng tác nhạc cho các buổi lễ tôn giáo, chẳng hạn như các giai điệu bình ca (plainchant).

Sang thời kỳ Phục Hưng, họ thường phục vụ trong các triều đình quý tộc. Giới quý tộc yêu cầu sáng tác nhiều tác phẩm tôn giáo, như các bản lễ cầu (Masses), nhưng đồng thời, các nhà soạn nhạc cũng viết nhiều ca khúc thế tục về tình yêu cung đình – một kiểu tình yêu đầy sự tôn kính và ngưỡng mộ dành cho một người phụ nữ cao quý từ xa. Những bài hát này trở nên rất phổ biến trong thời kỳ Phục Hưng.

Trong thời kỳ Baroque, nhiều nhà soạn nhạc tiếp tục làm việc dưới sự bảo trợ của giới quý tộc hoặc giữ vai trò nhạc sĩ trong nhà thờ.

Đến thời kỳ Cổ điển, họ bắt đầu tổ chức các buổi hòa nhạc công cộng để kiếm thu nhập, giúp họ dần thoát khỏi sự phụ thuộc vào tầng lớp quý tộc và nhà thờ. Xu hướng này tiếp tục phát triển mạnh mẽ trong thời kỳ âm nhạc Lãng mạn ở thế kỷ 19.

Bước sang thế kỷ 20, nhiều nhà soạn nhạc tìm kiếm công việc giảng dạy tại các trường đại học và nhạc viện. Họ cũng kiếm thu nhập từ việc bán tác phẩm của mình thông qua xuất bản bản nhạc in hoặc phát hành các bản thu âm ca khúc và tác phẩm họ sáng tác.

Vai trò của phụ nữ

Năm 1993, nhà nghiên cứu âm nhạc người Mỹ Marcia Citron đặt câu hỏi: "Tại sao âm nhạc do phụ nữ sáng tác lại bị xem là thứ yếu trong kho tàng âm nhạc cổ điển tiêu chuẩn?" Bà phân tích những yếu tố và thái độ đã dẫn đến việc phụ nữ bị loại khỏi "điển phạm" (canon) của các tác phẩm âm nhạc được biểu diễn. Citron lập luận rằng vào những năm 1800, các nhà soạn nhạc nữ chủ yếu sáng tác các ca khúc nghệ thuật (art songs) để trình diễn trong những buổi hòa nhạc nhỏ, trong khi các nhà soạn nhạc nam tập trung vào giao hưởng dành cho dàn nhạc lớn trong những khán phòng hoành tráng. Vì giới chuyên môn coi giao hưởng là thể loại quan trọng nhất đối với các nhà soạn nhạc, họ đã đánh giá thấp các tác phẩm của phụ nữ, cho rằng họ không đủ tầm ảnh hưởng.

Abbey Philips chỉ ra rằng "phụ nữ hoạt động trong lĩnh vực âm nhạc đã gặp rất nhiều khó khăn để được công nhận xứng đáng với tài năng của họ." Trong thời Trung Cổ, khi phần lớn âm nhạc nghệ thuật phục vụ mục đích tôn giáo, quan điểm bảo thủ của giới lãnh đạo tôn giáo đã khiến rất ít phụ nữ tham gia sáng tác thể loại này. Nữ tu sĩ Hildegard von Bingen là một trong số ít người phá vỡ rào cản đó. Các giáo trình lịch sử âm nhạc tại các trường đại học gần như chỉ tập trung vào các nhà soạn nhạc nam, bỏ qua đóng góp của phụ nữ. Giới chuyên môn cũng ít khi đưa tác phẩm của các nhà soạn nhạc nữ vào danh mục biểu diễn tiêu chuẩn của nhạc cổ điển. Trong cuốn Concise Oxford History of Music, tác giả chỉ nhắc đến Clara Schumann như một trong số ít nhà soạn nhạc nữ, mặc dù Fanny Mendelssohn và Cécile Chaminade cũng là những cái tên đáng chú ý. Ngoài ra, vào giữa thế kỷ 20, Nadia Boulanger trở thành một trong những giáo viên có ảnh hưởng nhất đối với thế hệ nhà soạn nhạc thời kỳ này. Philips nhấn mạnh rằng "trong thế kỷ 20, phụ nữ sáng tác và biểu diễn nhận được ít sự chú ý hơn nhiều so với các đồng nghiệp nam."

Ngày nay, phụ nữ đang dần được công nhận một cách nghiêm túc hơn trong lĩnh vực âm nhạc hòa nhạc (concert music). Tuy nhiên, số liệu thống kê về sự công nhận, giải thưởng, cơ hội nghề nghiệp và điều kiện phát triển vẫn cho thấy sự chênh lệch nghiêng về phía nam giới.

Đào tạo hiện đại

Các nhà soạn nhạc cổ điển chuyên nghiệp thường bắt đầu con đường âm nhạc từ khi còn nhỏ, trải qua quá trình biểu diễn nhạc cổ điển trong những năm thơ ấu và thiếu niên. Họ có thể tham gia hát trong dàn hợp xướng, chơi nhạc trong dàn nhạc giao hưởng dành cho thanh thiếu niên hoặc biểu diễn solo với các nhạc cụ như piano, đàn organ ống hoặc violin.

Những thanh thiếu niên có mong muốn trở thành nhà soạn nhạc có thể tiếp tục học lên bậc sau trung học tại nhiều cơ sở đào tạo chính quy như cao đẳng, nhạc viện và đại học. Các nhạc viện, vốn là hệ thống đào tạo âm nhạc tiêu chuẩn ở một số quốc gia như Pháp và Canada, cung cấp các lớp học chuyên sâu, đồng thời tạo điều kiện để sinh viên sáng tác có cơ hội tham gia vào các dàn hợp xướng và dàn nhạc giao hưởng nghiệp dư.

Các trường đại học thiết kế nhiều chương trình đào tạo về sáng tác, từ bậc cử nhân đến thạc sĩ âm nhạc (Master of Music) và tiến sĩ nghệ thuật âm nhạc (Doctor of Musical Arts). Ngoài ra, các chương trình như trại hè và lễ hội âm nhạc cổ điển mang đến cơ hội quý giá để sinh viên làm việc trực tiếp với các nhà soạn nhạc chuyên nghiệp, giúp họ trau dồi kỹ năng và mở rộng mạng lưới trong lĩnh vực âm nhạc.